当年轻的摄影师将目光转向时下新兴的设计师们，一个疯狂的世界应然诞生。他们的创造力彼此激发，年轻设计师拥有极具原创性和大胆的时尚， 摄影师们则寻找着供他们探索其情感、执迷和渴望的主题，于是前者成为了后者想象力的新际遇。
巴黎艺术家双人组合I COULD NEVER BE A DANCER有着多重身份，他们曾作为编舞、导演和艺术指导与多个时尚品牌、文化机构和艺术家合作。
当年轻的摄影师将目光转向时下新兴的设计师们，一个疯狂的世界应然诞生。他们的创造力彼此激发，年轻设计师拥有极具原创性和大胆的时尚， 摄影师们则寻找着供他们探索其情感、执迷和渴望的主题，于是前者成为了后者想象力的新际遇。
本次展览邀请的艺术家都很年轻（林志鹏出生于1979年，保罗·鲁斯托、刘树伟出生于1985年，最年轻的路易斯·戴斯诺丝出身于1991年），他们都同时进行着与时尚和艺术相关的创作，从两个兴趣领域中吸取一种独特的灵感，由一个主题过渡到另一个主题。他们极具才华和创造性，摈弃了一切心理症结，倒置情景和性别，照片之于他们如画家的调色盘。他们以个人眼光解读他人，以个性勾勒出轮廓，敏感地捕捉时尚的密码，最终建立起自己的个人世界。
我们邀请每位摄影师对自己的三幅精选作品发表评论。
“知尚”展览 – 摄影师 Louise Desnos、林志鹏、刘树伟和 Paul Rousteau 作品展(策展：Doors 门艺)
上海：3月28日 – 4月19日 百联时尚集团 – 衍庆里，黄浦区苏州南路955号
北京：3月31日 – 4月23日 Temple 东景缘 – 东城区沙滩北街23号
厦门：4月28日 – 6月27日 三影堂厦门摄影中心
成都：5月8日 – 6月8日 成都博物馆
Louise Desnos非常年轻，但十年的创作时间已经足以使她在图片和影像作品中展现出强烈的个人风格。她的个人作品在2016年的依埃尔时尚和摄影国际艺术节上亮相，这是欧洲时尚和艺术领域的重要平台，在本届艺术节上，她展出了Acedia作品系列，该系列的灵感来自于被我们忽视的才能。次年，通过拍摄依埃尔艺术节上被选出的年轻设计师，她开始了自己的时尚摄影创作。无论是她无意捕捉还是可以营造的场景，她的手法都与日常的偶然性形成了矛盾的对应。她关注细节：从有些脏乱的环境中露出的塑料袋，或是设计师制作的复杂裤缝；她也关注表面：皮肤的纹理或是模特匍匐其上的石灰石地面；她还关注裂隙，像是如衣服褶皱一般的下水管道。她的照片是独特的故事，也是不断找寻符号的理由。
第一张照片是我的个人创作系列，叫做《From Acedia》，是我的另一个创作系列《Acedia》的延续。事实上，我在以一种宽泛的手法触及“慵懒”这一主题，既把它当做创作动机，又将其状态呈现出来，抓住“慵懒”相对忧伤的一面，在这个转变为From Acedia的系列中，我找到了自由，尤其因为“慵懒”是一个内省的时刻，人们在这个时间思考、晓知事物。我比较在意的是处于慵懒状态中的事物，比如说，我非常喜欢游走于街头拍摄订单计划之外的照片。这张照片就是一个例子，是完全抓拍的一张照片，人们可能会以为这是摆拍的作品，但实际上就是偶遇到的，所见即所得。我完全被这个形态吸引，这是一个在理发店的女人，我当时正站在街对面，我在这张照片里找到了一种有趣的形状，让我联想到了章鱼。
这张照片来自于2017年的Villa Noailles系列，是为第32届依埃尔时尚与摄影国际艺术节拍摄的。我当时接到的订单是为十位入围设计师每人拍摄一套服装。这张照片拍摄的是Marine Serre设计的服装。拍摄这个系列时，我需要进入到每位设计师的世界才能以一套服装而非一个系列展示出其风格，我必须拍摄出十个完全不同的造型，但是又要形成一个紧密结合的整体。
我很高兴Villa Noailles向我推介了这个工作机会，因为在此之前我没有涉足过时尚领域的摄影，这是我的第一份时尚订单。和Villa Noailles的合作非常愉快，我觉得时尚领域是足够自由的，即便是完成订单作品的时候。我喜欢摄影，因为它就像诗歌一样，通过和时尚及设计师个人世界相联系的摄影，我可以和设计师一起创作世界、制造图像。
这张照片是为一位设计师朋友拍摄的，是他的毕业作品。和他一起工作很愉快，因为我们之间有信任的纽带。一开始我们预期的效果和这张照片呈现的完全不一样，但最后他选择信任我并给予我全然的自由度。这份工作是要拍摄七组造型，其中两组双人造型是由这位朋友完成的。
林志鹏，以编号223这个名字为人所熟知（这个名字来自于金城武在王家卫的电影《重庆森林》中扮演的警察一角），学习金融专业的他在2004年转向了摄影创作。他同时从事时尚和广告摄影，7年时尚创意杂志编辑的工作使他具有了敏锐的时尚艺术嗅觉。林志鹏以拍摄品牌的方式拍摄了自己的个人作品；他的模特像是从自己的小圈子中选出的朋友，围绕模特的装饰像是少年的房间中能见到的场景， 他以此展现出一个混杂有趣的世界。人物被放置在怪诞的情境中（从身体上掉落或流淌的食物，交织的肢体），这些情景既脱胎于对色彩和形式完美掌握的审美，又刻意地与之抗衡。最后呈现出的是一部诗意和挑衅的作品，它以日记的形式揭示了中国式的青春，摒弃对性与愉悦问题的羞怯，走出了不同寻常的道路。
林志鹏的Instagram
这张作品虽然是一次时尚拍摄，但不是一次商业合作，因为United Nude这个鞋子品牌的设计师是我的好朋友，他送给我一些品牌的鞋子，用于我自己的创作。合作很开心，因为留给我的创作空间很大，仍然属于我的艺术创作。当时我就和几个朋友在家里玩，即兴拍摄了一组作品，于是其中就有了这张。后来这张作品被用在2016年法国出版的摄影集《Hidden Track》的封面上。
这组时尚照片是为VogueMe的中文版拍摄的，其中我也放入了一些比较有趣的元素。当时找了一些非常有趣的道具，比如红色的鱼，制造一些颜色的碰撞。
我很喜欢展现日常的物品和食物，特别是快餐类的食物，例如薯条、蕃茄酱和意面。因为我觉得快餐食物是当下文化的缩影，并且也能产生有趣的颜色的碰撞和混搭。
而且“食色性也“，食物和性本来就存在一些不可言说的关联，有一些性感的象征。我在拍摄时很直观的拍摄，观者却能发现情欲的色彩，我觉得这是一个蛮有趣的效果。
”作品来自于I Love We系列，是与品牌Atelier Rouge Pékin的一次合作。
这组照片并没有刻意地与系列的主题产生关联，我找了一些朋友，随机拍摄了一些我认为很有趣的照片，还是我自己的个人风格。
这张作品中的一部分人被背景化了，只留下肢体。很多我的作品更关注人的肢体，比如人的手、肩膀、背部等等，因为我觉得人的情绪不一定通过五官来表现，你的手指和头发都有情绪，比如人在紧张的时候会紧缩着，肢体的情绪更能表现人隐藏的情绪，所以我很喜欢拍人的肢体。“
刘树伟险些成为一名工程师，幸而转行决定成为摄影师。他今日的作品既有艺术家的感性与浪漫，又有建筑师（或工程师）的结构感和对细节的追求。借助摄影这一媒介，刘树伟通过个人作品（Pink Triangle）和时装作品，对其关注的诸如同性或广义的性别等话题做出自我表达。他作品中出现的人物常常是迷样而孤独的，置身于虚幻的场景或是仿佛有神灵出没的房间，让观者联想到维姆·文德斯（Wim Wenders）的画面。和这位他非常欣赏的德国导演一样，刘树伟偏爱明亮的色彩，利用它们创造出属于自己的诗意，表达他对人的热爱。
“这张照片取自Friendship and Pink Triangle这个系列，标题出自两个方面，一个是Pink Triangle，这就不需要多解释了(“粉红色三角”是纳粹集中营臂章之一，用于识别男同性恋囚犯)；Friendship这个引自福柯的文章《作为一种生活方式的友谊》，他的意思包含谈到“友谊”需要被重新发明。此外，我在标题中使用这个词也是出自于一种对当前世界的担忧，因为几年前开始，世界出现一些剧烈的变化，让人感觉似乎二十世纪要重演，恐怕连“友谊”这一词语本身的使用界限又发生新的变化。
照片本身也有受到让·热内的小说的启发，他在书中提及在街边看到一群军人，其中两个成员正在举行婚礼，这是一种集体内部的个体行为。因此这个系列更多地是对当前世界的回应。
造型上这个系列并非典型的时装摄影，更像是构建电影里的人物衣橱，主要是我自己的衣服，包含一些古着以及一个女性朋友造型师Dre Romero的衣服。我们俩一起设计了造型，是我们自己看待性别着装的一种方式。”
The Garden系列是为独立杂志《Elsewhere》拍摄的封面故事，我与Friendship and Pink Triangle系列的同一个造型师Dre Romero合作。灵感主要取自于《红楼梦》和让·热内的小说《玫瑰奇迹》，我认为这两部作品在内核上有相似性，对我来说那才是真正的风格上的东西。
具体拍摄上，杂志很尊重我的风格，没有给我提出太多要求，拍摄主题等都是我自己定的，因此是一次很自由的拍摄。那一期杂志的主题是“种族”，而我恰恰没有去突出这个概念，而是尝试打通这一概念，展现不同种族间相通的文化经验。
“Childhood Revisited是我几年前的系列，与设计师王天墨的一次合作。这组照片拍摄于北方的农村，是对我自己的成长经历和童年时期的小幻想的重新呈现。因此这个系列在我的作品中像是一种根基性的存在。”
Paul Rousteau对颜色无限钟爱近乎狂热。这种偏好也许自童年时便已形成，他在奥弗涅长大，这一位于法国中部的地区以其未经雕琢的自然景观闻名。他成长在一个先锋家庭，在其中学会了体悟生命与自然的质量。具有辨识度的风格存在于他的所有作品中，不论在定制的作品还是他的个人创作中，我们都能看到：扭曲的轮廓，雾化、轻飘和漫散的质感，加上鲜艳欲滴的色彩，他以文学的方式构造的摄影作品就像是莫奈或马蒂斯的画作。为了获得这种效果，Paul Rousteau并没有运用photoshop这类后期软件，而是选择了传统的摄影手法 : 让光线穿过透镜、玻璃或是将作品印刷在特殊纸张上形成晕染的效果。
Paul Rousteau的Instagram
“第一幅作品其实可以被看做一副圣母像，我在其中试着还原圣母的形象。这是为一本法国独立杂志拍摄的，我的创意来源于波提切利的画和夏娃的故事。当然这幅作品表现的不一定是夏娃，而更像是圣母玛丽，但对我来说这也是与世界史的第一位女性相关的图像，夏娃的形象也常在画作里面被表现为玛丽的样子。我一直对图像史感兴趣，所以重新塑造圣母形象也一直是我的愿望，这幅照片中的颜色也是圣母像常用的颜色，背景中经典的皇室蓝，圣母常被置于这样的背景颜色中，这个红色也是圣母像的常用色。”
“第二张照片是为Paris sur Mode拍摄的订单，我有幸获得了自由发挥的权利，我选在杜勒丽公园拍摄这组照片。在这个系列中我构建了一位舞者和自然、雕塑及小鸟的故事。这张照片我自己也很喜欢，因为可以感受到两个生物之间的温情与联结。我也很喜欢照片被裁剪的方式，就像是一副插图。我喜欢画作和摄影之间的连接。另外，这幅作品也让我想起了偏向亚洲的审美，尤其是这件色彩欢快明艳的衬衫。”
“第三幅照片是为法国品牌Pigalle拍摄的订单。主题是“工坊”，这是设计师Stéphane Ashpool设计的新系列，所以我借鉴了这个主题，和布料之间形成了互动，而且这幅作品也有宗教隐喻，也和圣像画相关。这位处于正中的模特，让我想起了耶稣基督。我总是运用宗教的元素是因为这些都是我小时候就很熟悉的圣像元素。小时候家里没有电视，但是我的父母在家里专门设置了祭坛，上面放着圣经和其他宗教书籍，在祭坛上有乔托的画册，还有古斯塔夫·多雷的圣经插图。我经常翻阅这些书，我所有关于圣像的灵感都来源于此。我到现在也很欣赏那些用绘画诠释圣经及宗教故事的艺术家，这是我们文化和视觉遗产的一部分。当我们参观一所教堂时，总能看到不同时代的《苦路》主题的绘画或圣像，同一个场景在不同年代艺术家那里的表达也各不相同。
我很喜欢重新诠释这种文化，这幅照片中，我并非想要重现某个具体的场景，但是我们能感到一种神圣的事情在发生。这也是我为什么在展览中选择了这张照片。
说到底，这场拍摄也是希望将这个系列用到的布料带回到拍摄场景中，将“工坊”的主题放在第一位，也正是在这个工坊中设计师构想了这些衣服。”
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