LEAP : Depuis son ouverture, PSA a organisé de nombreuses expositions autour de la culture et de l’art français. Quelles perspectives ces expositions offrent-elles à notre compréhension de la culture française contemporaine, et à notre réflexion sur l’art contemporain chinois ?

GONG Yan : Les artistes et hommes de lettres français ont souvent montré une fascination pour l’incertitude, comme Baudelaire, qui disait être un étranger en terre inconnue, ne pas savoir qui étaient ses parents ni où était sa patrie, et n’être fasciné que par les nuages. Notre collaboration avec la France n’était pas délibérée, mais je pense que ce tempérament de l’art français est très propice pour une jeune institution d’art contemporain comme PSA. L’art contemporain en Chine s’est développé dans un laps de temps relativement court, et s’est frayé tout seul un chemin très rocailleux. Il y a eu beaucoup d’erreurs d’interprétation, et beaucoup d’auto-création. C’est pourquoi, au lieu de présenter ou d’importer des idées étrangères d’une manière scolaire, nous voulons ouvrir l’esprit des gens – toujours dans un état de tâtonnement, en apprenant à d’abord expérimenter ces idées, pour créer ensuite son propre langage.

L’art contemporain français est, dans une certaine mesure, sous-évalué sur le plan international. En effet, si l’art moderne et classique français a influencé le monde entier, les artistes contemporains français ne semblent pas vouloir s’« internationaliser ». Ou peut-être que pour eux, les frontières n’existent pas, et que leur propre monde est en fait un concept global. C’est pourquoi j’ai parfois l’impression que l’art contemporain chinois, lorsqu’il pense en termes de frontières et parle de s’ « exporter » ou d’« importer » des idées de l’étranger – comme il le fait si souvent – cela peut entraver l’émergence et le développement de l’art, y compris la réflexion des artistes dans leur processus créatif. En effet, ces frontières pourraient en réalité ne pas exister.

LEAP : L’exposition inaugurale de PSA présentait la collection surréaliste du Centre Pompidou, à une époque où ce dernier n’avait pas encore entamé sa propre expansion mondiale et où il était rare que la Chine accueille de grandes expositions d’art internationales comme celle-là. Pourquoi avoir choisi la collection du Centre Pompidou ? Quels ont été les facteurs clés qui ont rendu cette coopération possible, alors que PSA n’avait pas encore de lieu d’exposition et en l’absence d’une collection propres ?

GONG Yan : La création du Musée d’art contemporain de Shanghai a été étroitement liée à la planification urbaine et culturelle de la ville à l’époque, qui visait à établir un réseau d’infrastructures complet dans le domaine des arts visuels. Shanghai manquait alors d’un espace dédié à l’art contemporain. En nous référant aux grandes institutions culturelles de Londres et de Paris, nous avons décidé de transformer le Pavillon du Futur de l’Exposition universelle [Shanghai a accueilli l’Exposition universelle en 2010] en un musée d’art contemporain, et le Centre Pompidou est devenu notre modèle.

Mais cette exposition ne pouvait pas être un feu de paille : les œuvres devaient non seulement faire écho aux orientations de l’art contemporain chinois, mais aussi inspirer les jeunes artistes chinois. Or, le surréalisme n’est pas un mouvement doctrinaire ; ce qu’il cherche à éliminer, c’est précisément ce qui est politisé et idéologique. Il met en avant les apparences, le rêve et l’amour, et à ce titre il appartient à la jeunesse. Un nouveau musée d’art contemporain doit être orienté vers l’avenir et la jeunesse, et comme l’atmosphère urbaine et l’état d’esprit de Shanghai à l’époque étaient emplis de confiance et très en phase avec le surréalisme, nous avons commencé à nous rapprocher du Centre Pompidou.

Malgré le fait que notre lieu d’exposition était une ancienne usine qui venait juste d’accueillir l’Exposition universelle, le Centre Pompidou a accepté notre invitation. Les conservateurs de l’époque ont souhaité expérimenter autour de l’exposition surréaliste en Chine, en rompant avec les méthodes traditionnelles pour transformer l’exposition en une forme d’art de rue. Cette exposition inaugurale est finalement devenue le prototype de l’exposition sur le surréalisme organisée au Centre Pompidou deux ans plus tard. Cependant, la compréhension côté français de l’écologie du public et des artistes chinois était si limitée à l’époque que la liste initiale des œuvres proposées était relativement standardisée et formatée. En réponse, nous avons exprimé le souhait d’inclure des œuvres d’art plus représentatives. Par conséquent, loin d’être la simple présentation d’une collection étrangère, notre coopération avec le Centre Pompidou a également constitué un processus mutuel d’apprentissage et d’expérimentation.

LEAP : Par « légèreté », vous n’entendez pas seulement une façon de faire avancer les choses rapidement, mais aussi une attitude qui consiste à garder un regard jeune et contemporain, et à s’ouvrir à la nouveauté, c’est bien cela ?

GONG Yan : Oui, cela signifie ne pas avoir d’idées préconçues, ou trop de préjugés. Si l’art contemporain est en constante évolution, combien d’institutions sont véritablement prêtes à embrasser ces changements ? On préfère souvent rester dans sa zone de confort. Lorsqu’une organisation se développe et acquiert une réputation, elle peut trouver difficile de se renouveler. Mais à ce stade, pour pouvoir rester vraiment « léger », il faut avoir du courage et continuer à expérimenter, rester ouvert aux erreurs et aux remises en question.

LEAP : La pandémie et les changements concomitants dans la situation politique et économique mondiale ont bloqué le dialogue international pendant un certain temps. Pourtant, on a pu constater une augmentation significative du nombre et de l’ampleur des expositions internationales organisées par PSA au cours de cette même période. Était-ce intentionnel ?

GONG Yan : Je pense que c’est le reflet d’un certain désir. En tant que grande institution artistique, notre mission est d’ouvrir les yeux des gens sur les possibilités qui s’offrent à eux. Faire venir des artistes étrangers, ce n’est pas seulement présenter leurs œuvres, c’est aussi leur faire connaître la Chine. L’échange doit aller dans les deux sens, et c’est ce qui le rend intéressant.

Pendant la pandémie, nous avons organisé la 13e Biennale de Shanghai, intitulée « Bodies of Water ». Seuls deux artistes étrangers ont pu venir en Chine [en raison des restrictions sanitaires], et seul(e) un(e) commissaire principal(e) – sur les cinq membres de l’équipe curatoriale – a pu travailler sur le sol chinois, à la suite d’une longue quarantaine. Malgré les difficultés rencontrées par l’équipe, nous en sommes tous sortis plus forts. Ce fut véritablement une expérience partagée – non plus un spectacle à sens unique, mais une expérience de vie profonde, dépassant largement le champ de l’art pris dans son sens étroit.

Pendant cette période de « stagnation », les voix des artistes se sont beaucoup moins fait entendre qu’on aurait pu le penser. Auparavant, de nombreux artistes s’étaient montrés prêts à créer et à s’exprimer face à des phénomènes sortant de l’ordinaire. Mais au cours de cette période sans précédent, les artistes ont très peu réfléchi, que ce soit en Chine ou dans le reste du monde. Or, l’art ne devrait pas être créé pour la simple poursuite d’une idée. Si l’on craint de s’exprimer lorsque quelque chose se produit, on trahit le courage, l’attitude et les perspectives dont les artistes se targuaient autrefois. Je pense donc que la pandémie a été une bonne occasion pour les gens de réfléchir au rôle réel de l’art, et à la part de vérité et de « fausseté » qu’il peut contenir.

LEAP : 2024 marque le 60e anniversaire de l’établissement des relations diplomatiques entre la France et la Chine. À cette occasion, vingt ans après avoir fait découvrir au public français l’art contemporain chinois à travers l’exposition phare « Alors, la Chine ? », le Centre Pompidou met à nouveau l’accent sur l’art contemporain chinois à l’automne 2024, en présentant 21 artistes nés entre les années 1970 et 1990. Dans quelle mesure pensez-vous que ce type d’exposition collective d’artistes chinois a un impact sur leur visibilité et leur reconnaissance au plan international ?

GONG Yan : Il y a vingt ans, les pays occidentaux se sont relayés pour « s’occuper » des cultures des pays du tiers-monde, en organisant des expositions centrées sur des pays ou des régions du monde. La Chine a été l’un des pays les plus représentés à cette époque. Vingt ans plus tard, nous avons connu la mondialisation, les épidémies, et nous avons commencé à douter de la mondialisation. Dans une ère d’information qui transcende les frontières géographiques, nous nous imaginons, nous expérimentons et nous communiquons plus directement les uns avec les autres.

Aujourd’hui, nous devons réfléchir à la façon de traduire la réflexion des artistes chinois sur le monde actuel par le biais d’une exposition internationale dans une institution culturelle nationale, et à la manière dont le libre arbitre de l’artiste en tant qu’individu peut être compris dans différents contextes culturels sans être interprété de manière étroite et stéréotypée. Il y a vingt ans, lors de l’exposition « Alors, la Chine ? » au Centre Pompidou, l’Occident ne connaissait pas grand-chose à l’art contemporain chinois ; mais aujourd’hui, le monde dispose d’une grande variété de canaux pour s’informer sur la Chine, et les expositions individuelles d’artistes chinois à l’étranger sont très fréquentes. Réaliser une nouvelle exposition collective d’artistes chinois contemporains suscite de nombreuses attentes quant à la profondeur du propos, au caractère unique des artistes et à la nécessité des œuvres, et je pense que le travail des commissaires est très différent de celui effectué il y a vingt ans.

LEAP : Au cours des douze années qui se sont écoulées depuis la création de PSA, quelles observations tirez-vous de l’évolution des échanges entre la Chine et le reste du monde ?

GONG Yan : Par le passé, les artistes chinois avaient beaucoup de mal à se faire connaître sur la scène internationale et devaient recourir à divers moyens ou intermédiaires pour voyager à l’étranger. Aujourd’hui, Shanghai compte près d’une centaine de musées d’art, dont la moitié ont trait à l’art contemporain, et les échanges internationaux sont fréquents. Dans une certaine mesure, les artistes chinois peuvent participer à des expositions internationales sans avoir à se rendre à l’étranger. Toutefois, cette commodité peut entraîner une certaine inertie chez les artistes, ou les mettre trop à l’aise. Par ailleurs, en Chine, certains considèrent à tort l’internationalisation comme une sorte d’« ennemi » ; or, pour qu’émergent des œuvres significatives, l’art a besoin de stimulations constantes, voire de provocations. À mesure que s’établit un écosystème artistique mondial, nous devons réfléchir à la manière de favoriser le développement de l’art lui-même.

J’espère également que les institutions étrangères qui s’intéressent à Shanghai ne se focaliseront pas uniquement sur le capital dont dispose la ville, ou sur la possibilité d’y organiser des expositions de grande envergure, mais qu’elles verront également son potentiel académique, et qu’elles seront disposées à offrir la meilleure scène possible aux artistes chinois. Cela nécessite les efforts conjoints de toute la ville ou de tout le pays. Avant tout, nous devons reconnaître notre valeur, et être prêts à aider les artistes puissants à trouver un plus grand écho. Bien entendu, cela nécessite également beaucoup de traduction et de soutien théorique pour les aider à se faire comprendre. Tous les efforts dans ce domaine sont d’une très grande importance.